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sexta-feira, 24 de novembro de 2006 Alex Colville's Paintings  Berlin Bus  Living Room  Woman With Skiff  Bridge And Raven  Sleeper  Snow posted by RENATO DOHO | 12:38 AM quarta-feira, 1 de fevereiro de 2006 Oscar Roundtable: Prize Fighters  They made the most moving, provocative films of the year. In our annual roundtable, five directors (one of whom sidelines as an actor) talk about passion, fear, politics, Oscar ads and crying at the movies. By Sean Smith and David Ansen Newsweek We were a little worried at first that Bennett Miller might not recover. As directors Steven Spielberg, George Clooney, Ang Lee and Paul Haggis stood in the hallway outside a photo studio in Los Angeles, it wasn't Spielberg's political lightning rod, "Munich," or Haggis's incendiary racism drama, "Crash," that got them all talking. Nor was it Clooney and his stylish paean to Edward R. Murrow, "Good Night, and Good Luck," or Lee and his mournful love story, "Brokeback Mountain," that generated the most praise. It was 38-year-old Miller, the youngest and least experienced member of the group, who found himself the center of attention as the others raved about the quiet, assured power of his feature-film debut, "Capote." As Spielberg regaled the group with a tale about meeting Truman Capote years ago, Miller remained so still and silent, we feared that underneath the placid surface he was seriously freaking out. We shouldn't have. By the time the five auteurs sat down together with their lattes for NEWSWEEK's ninth annual roundtable discussion, Miller was sparring with Clooney like a pro and asking Spielberg about "Close Encounters of The Third Kind." None of these filmmakers played it safe this year, taking risks with stories that were radical, controversial and divisive. Critics often groan that modern movies pander to middlebrow sensibilities, and fret that smart movies are being killed by candy-coated kid fare. These men prove them wrong. During a funny, fascinating two-hour conversation, these directors were as uncensored as their films, taking on the Middle East, explaining why President Bush has been good for filmmaking and opening up about everything from their worst reviews to the importance of keeping actors nervous. Excerpts: Your movies this year tackled racism, terrorism, same-sex love, governmental intimidation and the ethics of journalism. It feels like we're in the 1970s again. GEORGE CLOONEY: People who get mad at us like to say that we lead society-that we're pushing it-but in general we reflect it. If you look at the issues in these movies, they were the issues we were talking about two years ago. ANG LEE: Though it also feels like the culture has caught up this year. All of these projects had battles. "Brokeback Mountain" took eight years to get made. STEVEN SPIELBERG: "Munich" took six. LEE: So it's almost like fate. It looks like we planned it, but we didn't. CLOONEY: It's not like the studios all sit there and go, "Let's do this." In fact, the studios don't want you to make these kinds of movies. SPIELBERG: With the exception of my film, none of these other films were part of the conventional studio system. They were all maverick productions that dared to challenge audiences with things that they feel very private about. CLOONEY: But in general you still need the studio to distribute the films, so I'm not bashing studios. I think they've actually taken some chances this year. It costs so much to distribute even the little movies. Bennett, how much did your film cost to make? BENNETT MILLER: $7 million. CLOONEY: And it probably cost $20 million to distribute. MILLER: No way. It was more like $10 million. CLOONEY: But now, with the [Oscar campaign] ads, I imagine it's more. PAUL HAGGIS: I wonder how much influence those ads actually have. SPIELBERG: I never look at the ads, because it's just too much to read. And everybody here has gotten so many kudos. Especially Ang's movie. CLOONEY: Yeah. I don't read an ad unless it says "Brokeback Mountain" across the top. [Laughter; Lee smiles and hides his face in his hands.] SPIELBERG: My family was actually planning to take a trip next summer to Brokeback Mountain. It sounded like a nice place to spend a week. [Laughter] HAGGIS: But the studios are afraid that if you don't have the ads, people will think you're no longer in the running. SPIELBERG: Audiences are very smart. We never give them enough credit for being able to have a kind of radar that makes them, without a single ad in the newspaper, suddenly say, "I'm interested in seeing 'The Squid and the Whale'." There's just something in the air. CLOONEY: But on the other hand, I'll wager that every one of our films, when you first tested it with an audience, tested much lower than after it was reviewed. Sometimes people need reviews to explain what a film is, to put it into some sort of perspective. HAGGIS: We only did one test on "Crash." I was sitting in the back of the theater, and you really can feel what the audience is feeling. But I also thought, "How could I have ever perpetrated this film on the American public?" [Laughter] LEE: Couldn't you do a screening with just friends and family? HAGGIS: No, because they'll lie to you. CLOONEY: They will. I would. [Turns to Miller] I'd lie to you, man. [Pause] I like your hair. [Laughter] Most of your films this year were intended to provoke strong reactions. HAGGIS: The worst thing you can do to a filmmaker is to walk out of his film and go, "That was a nice movie." But if you can cause people to walk out and then argue about the film on the sidewalk ... I think we're all seeking dissension, and we love to affect an audience. George, I remember walking out of your movie- MILLER: ... in the middle ... [Laughter] CLOONEY: He's getting me back for that hair comment. HAGGIS: But you walk out of "Good Night, and Good Luck," and you want to go have coffee with your friends and discuss it. All these films were troubling and asked important questions. CLOONEY: From the end of the first wave of the civil-rights movement, all the way through Watergate, people were constantly talking about what was going on in the country. Now it seems that's happening again. You can sit in a room and have people talk about politics-in Los Angeles, of all places. LEE: There seems to be a collective social consciousness. SPIELBERG: I think we all have been given our marching orders ... Maybe I shouldn't get into this. [Pause] I just feel that filmmakers are much more proactive since the second Bush administration. I think that everybody is trying to declare their independence and state their case for the things that we believe in. No one is really representing us, so we're now representing our own feelings, and we're trying to strike back. So Bush has been good for film? SPIELBERG: I wouldn't just say Bush. The whole neo-conservative movement. CLOONEY: Because it's polarizing. I'm not going to sit up and say, "This is how you should think." But let's at least acknowledge that there should be an open debate, and not be told that it's unpatriotic to ask questions. Steven, you're taking it from all sides right now. SPIELBERG: [Laughs] I feel wildly popular. Did you expect the political reaction to "Munich" to be this heated? SPIELBERG: I knew we were going to receive a volley from the right. I was surprised that we received a much smaller, but no less painful, volley from the left. It made me feel a little more aware of the dogma, and the Luddite position people take any time the Middle East is up for discussion. So many fundamentalists in my own community, the Jewish community, have grown very angry at me for allowing the Palestinians simply to have dialogue and for allowing Tony Kushner to be the author of that dialogue. "Munich" never once attacks Israel, and barely criticizes Israel's policy of counterviolence against violence. It simply asks a plethora of questions. It's the most questioning story I've ever had the honor to tell. For that, we were accused of the sin of moral equivocation. Which, of course, we didn't intend-and we're not guilty of. Ang, were you surprised that "Brokeback Mountain" hasn't raised more protest from the religious right? LEE: I didn't know they would take a position of deliberate quietness, so that they wouldn't [inadvertently] promote the movie. SPIELBERG: Can I give my critics your phone number? You know, there's a real similarity for me in the tone of "Brokeback Mountain" and of "Capote." MILLER: Well, I studied Ang's movies. CLOONEY: And stole shots from him. [Laughter] SPIELBERG: Both of your films cast a spell on the audience, because you don't rush your scenes. You're not running to take us anywhere. You're walking, and you're appreciating every detail. It's such a beautiful rhythm. LEE: If the movie is quiet I generally feel the audience is busy. That's when they're working. One of the most powerful moments in "Capote" is toward the end, when Capote's lying on the bed. He's doing nothing, and we do everything for him. You all worked with some amazing actors this year. CLOONEY: They were OK. HAGGIS: It was really all us. [Laughter] Ang, you must have gotten tired of being asked if you worried that playing gay characters would hurt Heath Ledger and Jake Gyllenhaal's careers, because at one point you were quoted saying, "I only wanted to do a good movie. I didn't care if their careers were doomed after that." LEE: I don't think that line worked well with the Screen Actors Guild. You know, it's very hard to praise your actors, especially during awards season. So I behave like a heartless, egoistic director-it makes them seem so much more brave. [Laughter] HAGGIS: I think we are a little heartless when it comes to getting the scene. You owe it to them. If you just joke around on the set and make things pleasant, but don't get what the scene is about, then you're doing them a terrible disservice. SPIELBERG: Of all the films made this year, Paul's had the most eclectic mix of cast members, each the absolute opposite of the next, and yet all their stories inexorably are drawn together. That's where casting is absolutely essential. It was just a fantastic debut film, and I was fortunate that I got to see your early cut, a year and a half ago. How did that happen? SPIELBERG: Paul and I were working together on a script of Clint Eastwood's "Flags of Our Fathers" [which Spielberg is producing]. CLOONEY: So it wasn't "Facts of Life: The Movie"? HAGGIS: No, no, no. [Laughs] Are we missing an inside joke? CLOONEY: I was on the series "The Facts of Life," and Paul was a writer. HAGGIS: Three years you were on it? CLOONEY: Two years. Two fantastic years. SPIELBERG: The network did not want me [as executive producer] to hire George for "ER," because George had- CLOONEY: Because of that "Tootie Drives" episode. HAGGIS: Because I had basically destroyed his career. SPIELBERG: Because in those days George was the albatross in getting a 23-episode order. [Executive producer] John Wells went to the front office and screamed and threatened to walk off the show unless George got the part. CLOONEY: People love to knock sitcoms, but television is a great place to start. After hundreds of episodes of television as an actor, though, you become director-proof, because you're guarding the character. That's not an insult to television directors. Each new director wants to make the episode his "Macbeth." But on "ER" a director would come in and say, "I think this really upsets you and you would be crying here." And you're, like, "I cried the last three episodes." So I trained myself not to listen to directors, because you can't. MILLER: How many jobs did you just lose for yourself by saying that? CLOONEY: I know. But I've gotten better. Now I don't listen because I'm just egotistical. [Laughter] Bennett, you and Philip Seymour Hoffman have been very good friends since you were 16. What was it like to direct him? MILLER: I think we both felt the entire time that we were in some kind of a crisis. From the outside, it probably looked kind of fierce. We were very honest and blunt with each other. Phil has an anguished and brutal process. When he did the plays "True West" and "The Seagull," he'd call me up two weeks before opening night and say, "My career is over. I can't figure this out. I'm going to be revealed for the impostor that I am." So when we worked together and that began happening, it kind of defrayed my anxiety. [Pause] A little bit. The challenge was to find a way to be with him and not comfort him too much. He was very afraid. SPIELBERG: But fear is your ally. The minute you come onto a set and you're no longer afraid, you're in big trouble. I think the best performances-from filmmakers and from actors-have happened when there are whole stretches of tremendous instability about the process. LEE: So do you create that fear on set because it's so workable? CLOONEY: You do, don't you, Ang? [Laughter] You do. I just started into a sweat. LEE: Not to scare people. I have to assure the actors that they are in good hands, but on the other hand you have to convey uncertainty, the unknown. It's like walking a tightrope. SPIELBERG: When I create fear, it'll come in the form of a warning. I'll say to the actor, "I'm only going to do this shot maybe three times at the most." CLOONEY: Well, that helps. As an actor, if you're working with a director who you know is going to do 40 takes no matter what, you don't even start to play ball for the first 15. Have you worked with a 40-take director? CLOONEY: Yeah, I have, and it was because of their insecurities. They wanted to cover everything. As an actor you don't really like those kinds of filmmakers, because they're really just film collectors. Do you all storyboard your movies so that you know what all of your shots will look like before you get to the set? LEE: I never could storyboard my movies. SPIELBERG: What about "Crouching Tiger, Hidden Dragon"? Did you story-board that? LEE: No. CLOONEY: Wow. HAGGIS: Jesus. CLOONEY: When I directed "Confessions of a Dangerous Mind," I did 850 storyboards because I was afraid, on my first film, that people might not have faith in me. MILLER: [After making the documentary "The Cruise"] I got an agent for the first time, and they sent me a lot of scripts. I never came close to doing anything, but the one script I just ached for was "Confessions of a Dangerous Mind." CLOONEY: That was a good script. MILLER: Not a great movie, but a great script. [Laughter] When directors get together, do you talk about things like storyboards? SPIELBERG: When I met Akira Kurosawa for the first time in Tokyo, we went to a restaurant at 8 in the evening and we left at 7 in the morning. It was amazing, but I was waiting for Akira to share with me the magic that had eluded me in my career, to tell me about being a poet and a great artist. And what he was preoccupied with talking about was how many arcs [high-intensity lamps] it took to backlight the rain to make it show up in "The Seven Samurai." So we spent the whole night talking about technical things: how do you get these images? MILLER: By the way, we're staying here until 7 in the morning. [Laughter] Steven, how did you do the control-room scene in "Close Encounters of the Third Kind"? Were those real air-traffic controllers? SPIELBERG: Every one of them, with the exception of the head of production at Columbia Studios, a friend of mine who I stuck in the movie. It was an improvisation. They had to redirect two airplanes that were coming into a conflict alert, and they had to get one plane to climb and one to descend-except that one of those airplanes happened to be a UFO. I would have hired actors if I knew that actors could be so facile with the technical talk. But "ER" hadn't come on television yet, where actors had to convince you that they could save your life if you were choking in a restaurant. CLOONEY: You know, that actually happened. Before "ER" came out, we had done the pilot and were across the street from the studio at the Smoke House, eating. We were all in our doctor's smocks, and nobody knew who we were then. Anthony Edwards had his baby with him, and the baby starts to choke on a french fry. And all five of us, in our doctor's outfits, are going, "Somebody help us!" [Laughter] So many of your movies this year moved audiences to tears. Do you cry easily in movies? CLOONEY: I cried at the premiere of "Batman and Robin." [Laughter] I cried for a week. MILLER: I cry when people do good things. Like in "Schindler's List" at the end [when the survivors give him a ring]. That's the kind of thing that gets me. LEE: It's getting harder and harder for me. It's like I deprive myself of that pleasure. When I was a kid, I used to cry so hard in movies that the whole row of people would stop crying and look at me. Now sometimes I cry just because the movie is so good. HAGGIS: For me it was "Breakfast at Tiffany's." CLOONEY: "Lassie Come Home." SPIELBERG: The first real great cry I had was in "The Best Years of Our Lives." When Fredric March comes home, and his wife is in the kitchen, and some sixth sense makes her turn and she realizes that something is different. She comes out into the hallway-and that William Wyler long shot makes the hallway look like it's a mile long-and she's on one side and he's on the other, and they come and they meet in the center. That gets me every time. LEE: What is the biggest crying movie of all time? SPIELBERG: "Bambi." When I was a kid, I would actually get up in the middle of the night and make sure my parents were still alive. LEE: "The Bicycle Thief." Each time I watch it, it is brutal. And the kid, at the end, after the father loses his dignity. Now I start crying even before it happens. Was there one particular movie that inspired each of you to become filmmakers? MILLER: I like quiet movies. The first movie that I saw that made me think maybe I could make movies was Nicolas Roeg's "Walkabout," when I was 15 years old. CLOONEY: I remember seeing "Fail-Safe" on television and then three nights later seeing "Dr. Strangelove." It scared the shit out of me and made me laugh. It's hard to say, though, that one movie inspired me. I grew up in a great era for filmmaking: Lumet. Pakula. [Turns to Spielberg] You. SPIELBERG: I was already making 8mm movies as a kid, but when I finally saw "Lawrence of Arabia," I decided I wouldn't do this as a hobby anymore. HAGGIS: A lot of films made me love the movies, everything from Hitchcock to Godard. But the ones that really grabbed me were Costa-Gavras's films like "Z" and "State of Siege." Ang, you grew up in Taiwan. Which movies inspired you? LEE: I always wanted to be a filmmaker, but I kept it a secret until I did my first movie. SPIELBERG: You never admitted it? LEE: No. I always felt ashamed. Because your father didn't approve? LEE: Yes. And because of the society I came from. SPIELBERG: What would your father have wished for you? LEE: Anything but this, I guess. Something practical. So film was a very repressed pleasure for me. I always had scenes in my head, but "The Virgin Spring" was an epiphany for me. After that movie, you cannot move for a long time. You feel you will see life differently now. [Pause] I always wished I could do something like that on screen. Steven, you got your start in television. One of your early jobs was directing Joan Crawford in the pilot of "Night Gallery." SPIELBERG: Yeah, that was the first thing I ever directed. I was terrified, but she made me feel like I was King Vidor. The crew was very hostile toward me because I had long hair, and in 1969 if you had long hair you were no better than Dennis Hopper in "Easy Rider." The average age of a crew member was 50 years old, and I was 21. So my defenders were the actors. CLOONEY: Was Rod Serling around? SPIELBERG: He was great with me also. I actually lit his cigarette. CLOONEY: Did you really? SPIELBERG: Yeah. CLOONEY: You helped him die. [Laughter] SPIELBERG: After Joan died, Lew Wasserman [the late legendary chairman of MCA] told me that when Joan met me, she immediately went over to see Lew and said, "How dare you experiment with my career, with this plebe, this amateur!" She said, "You have to replace him." And Lew said, "Joan, if the choice is between Steven Spielberg or you not being in this show, I'm going to have to side with Steven." CLOONEY: Wow. SPIELBERG: So I think Joan had to turn me into King Vidor to make herself feel protected and safe. HAGGIS: George and I got to sit and watch a lot of directors in television work, and we probably absorbed a lot. Were you able to do that? SPIELBERG: Yeah, I used to hang around sets all the time. CLOONEY: Didn't you sneak onto the Universal lot? SPIELBERG: Yeah, that's an old story. NEWSWEEK has printed it nine times already. [Laughter] CLOONEY: If you did that now you'd get thrown in jail. SPIELBERG: But back then you could do it. I'm proud to say that Hitchcock threw me off the sets of both "Torn Curtain" and "Family Plot." "Family Plot" was after "Jaws," and he still threw me off. [Laughter] You all got rave reviews this year. What's the most memorable thing a critic ever said about one of your films? CLOONEY: It's always the worst thing, right? SPIELBERG: I'll never forget what Rex Reed said about "Close Encounters of the Third Kind." He said the mother ship looked "like one of Mae West's earrings." [Laughter] LEE: About "Ride With the Devil," Rex said something like "Those boys don't know how to say their lines." But he said the nicest things about "Brokeback." SPIELBERG: And he's said great things about other movies of mine. I don't want to pick on Rex. CLOONEY: Well, Rex trashes me as an actor. Even when he gave me a good review for "Good Night, and Good Luck," he basically said, "Unbelievably, it's a decent film for him." [Laughter] So beat up on Rex all you want. He can take it. He's a big boy. HAGGIS: People either loved "Crash" or hated it. One of the earliest reviews said, "Paul Haggis thinks nothing has changed about race relations in Los Angeles since Rodney King." And I thought, "Well, they might be a little worse." [Laughter] If your movie is a commercial or critical failure, does it change the way you feel about it? LEE: No. SPIELBERG: Never. MILLER: When we locked picture on "Capote," I watched it one last time before we showed it to people. I had my screen all to myself, and I hermetically sealed my opinion of it. I said, "This is what I feel about this experience, and no matter what happens, I'm not going to think it's any better or worse." [Pause] Having said that, I now think it's much better than I realized. [Laughter] SPIELBERG: I love listening to you guys, because I really envy the three of you [Miller, Clooney and Haggis]. I remember what it felt like to be celebrated for the first time, to lose your virginity to people who love your work all over the world. Everybody is so hopeful now that you are going to continue the output. CLOONEY: Oh, no. That's over. [Laughter] SPIELBERG: You will all be recognized multiple times for great work, but I hope you're putting all that liquid love into a bottle. Put that bottle somewhere where your kids can't get at it. And every once in a while, take the cork off and smell how sweet it was. MILLER: I've always felt kind of on the outside, and to discover that there is some kind of community-at the New York Film Festival or, my God, sitting at this table-it's like all of a sudden I don't feel like I'm fighting for myself, simply. I want to live up to the hopes of film lovers. CLOONEY: And you will. MILLER: As the bubble over George's head reads, "Bullshit." CLOONEY: I was actually being earnest. [Laughter] Gentlemen, our time is up. Thank you all for being here. SPIELBERG: Thank you. Now, I'll be taking all these tape recorders. [Laughter] posted by RENATO DOHO | 6:06 AM quinta-feira, 11 de novembro de 2004 Before Sunset 
Richard Linklater, Ethan Hawke e Julie Delpy nos bastidores do filme: 
Sunset Story by Julie Delpy Before Sunset is a sequel to Before Sunrise, which starred Ethan and myself as younger version of the same characters, Jesse and Celine. And of course it was directed by Rick. Everybody calls him Rick, not Richard. When you first think of what this film is, two people walking around Paris and talking for an hour and a half... it sounds like you want to kill yourself rather than see it. There's no "plot" but there is a plot... it's just an emotional one. It's about an emotional progression between two people, and that's a very hard thing to do. To define the energy between people that makes everything so exciting. The idea to do Before Sunset began after the first film opened. The sequel was inspired, obviously, by the ending in Before Sunrise when they said they'd meet each other again in Vienna. We talked about it several times over the last few years, and we'd really loved working together on the first film. It was special. We had easy connections. And so when we started working in Austin on Waking Life in '99... that's when we decided to really do this sequel. We decided we had to write a minimal script, and then the three of us got together at [Before Sunset producer] John Sloss' home in Los Angeles in 2002, and we worked on it for about five days. We had decided on a real-time concept, that what happens between them should take only an hour and a half. Like The Set-Up, High Noon, Cleo From 5 to 7... I can't think of any others. Anyway, that made it a challenge. An exciting challenge. Then we went our separate ways. I wrote a bunch of scenes, about 30 or 40 pages, and Ethan wrote many pages and it was all distilled by Rick who added more pages himself. Then after a few months of sending each other bits of scences, monologues, ideas... we finally got to a point where we had a script that was presentable to Castle Rock and they gave it a green light. Then we did a tremendous amount of work in Paris. We worked on it for three days in Paris in May 2003 -- 18 hour days, I mean. Then we did a lot of last-minute re- writing in the two weeks before shooting. Before Sunset was shot in August and September of '03. About three weeks of shooting, not counting weekends. We didn't have much money. We tried different things, and wrote more than what's on-screen, but then we cut out everything that wasn't exactly right for it. We went on the location scouting together. Ethan and I knew the Shakespeare and Co. book store. Rick didn't want to show the Eiffel Tower or any of that touristy stuff, so I wound up showing him some different places and... basically the Paris I've always known and loved. It begins at Shakespeare and Co., where we meet. And then we walk out and turn the corner down rue St. Julien le Pauvre, and then left again... then we stroll into the 5th arrondisement, supposedly, although the cafe is actually in the 12th. It's an open ending. You just have to decide on your own what's going to happen with the two of them. I don't think he's going to abandon his family but he definitely has an interest in pursuing a relationship with her, and she with him. The ending of Before Sunrise was different. We worked together on this script, and the guys wanted an ending with the two of them not exchanging numbers and since we had decided that Celine and Jesse had sex in the park after they kissed... that was too much of a male fantasy for my tastes. Women don't like the idea of a one-night-stand and no prospect of a future. At least I don't. Men will fantasize on that one night and replay it in their heads over and over while women will fantasize about a possible future with that guy they had a one-night-stand with. I insisted that the characters had to have an opening, some way of contacting each other... at least for her. So that's how we decided that they would promise to meet again six months later. Today, of course, they would exchange e-mails. Not romantic but so practical. I've never been offered sexy-woman parts. I've been with men who've thought of me as sexy. My boyfriend thinks of me as sexy. But until recently, in movies, I've never seen myself as sexy, or wanted to satisfy that male sexpot thing. I was maybe a little scared of that part of me. Somehow today I'm more self assured, and I'm not as scared of my sexuality as I used to. Before it really scared me. I didn't want to be an object. I auditioned once for Krystoff Kieslowski for The Double Life of Veronique, and he told me to do something sexy, like touch my hair or look sexily into the camera, and I remember I just put my finger in my ear. That was my reaction when that male fantasy of wanting a girl to be sexy for him. So I didn't do Veronique but I was right for White. Everything that we shot for the film, is in the film. It's all basically very long takes. But something would always go wrong and we'd have to do them over. We'd finish the take and the dp would say, "Oh, the light went off, the shot didn't work.' (His name is Lee Daniels, by the way, and his work was incredible) Or you'd forget one word in the dialogue and that would screw it all up. There are so many technical issues. If you get one ten-minute scene, that's more footage than most people in one day of filming. If we hadn't had to do scenes over and over and over, our film would have been shot in a day. The reactions to the film exceeded my expectations. I'm a little surprised that people have liked it as much as they have. We had such a fun time doing it, I almost feel guilty that people like it as much as they do. It's not just respect. People are really moved by the film. It really talks to them. People see themselves in it...single people, married people. Life is difficult. Relationships are hard. I've been with my current boyfriend about three months. I've never been married. I generally go a year and half in a relationship. That's how long I go. That's the way I am but that can change. Maybe I'll get worse! I live [in Los Angeles] but I have a little studio apartment in the 15th arrondisement. I've written and am going to direct a film that I've written called Bathory. It's based on a true story that happened in 17th Century, and will be filmed in either Hungary or Romania My producer is Chris Hanley. It needs to be shot around the winter time, and it may be this winter or maybe not. I want Ethan to be in the film. I've seen him do Shakespeare -- Henry IV -- on stage. There's also a feature script I've written called Tell Me that I want to direct. It's been optioned by a company called Buena Onda. Walter Salles and Guillermo del Toro will have their next film produced through it, so we'll see how that goes. 
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6:15 PM
terça-feira, 8 de junho de 2004 Britney Spears Sim, a tão falada, a tão criticada... Já vou falando que gosto dela como estrela. O que isso quer dizer? Bom, é o melhor termo que achei pois: * como cantora tem outras muito melhores; * como mulher tem outras muito mais gostosas (se bem que sua sensualidade é páreo duro); * como personalidade claro que há muita gente melhor (só lembrar do casamento relâmpago, do vício em nicotina). Estrela porque há um fascínio nela que não se explica apenas pelo visual já que gosto de algumas canções dela. E nem há explicações em outras áreas. É algo que sentimos, mas não explicamos. Por que Marilyn Monroe foi um mito? Racionalizando não vamos achar respostas claras. Ela era, ponto. Chego a dizer que Britney pode muito bem lançar um best of onde eu gostaria de todas as escolhidas, que no caso seriam estas: Baby One More Time Sometimes (You Drive Me) Crazy Oops!... I Did It Again Stronger (I Can't Get No) Satisfaction Lucky I'm Not A Girl, Not Yet A Woman I Love Rock & Roll Toxic Brave New Girl Seja nas mais alegres quanto nas baladas. Não há letra mais bem escrita para ela do que I'm Not A Girl... naquele momento de sua carreira e que reverbera em muitas garotas por aí. E ainda lembrando da canção The Joy Of Pepsi, a apresentação de Like A Virgin no VMA e a We Will Rock You do comercial da Pepsi. Falando nestas canções extras é que dá pra perceber melhor porque não é só o visual que chama atenção, mas a escolha e aparato que está por trás dela. A primeira constatação é que Max Martin compôs muito das canções que mais gosto dela, ele tem feeling de produtor lembrando um pouco o Phil Spector, onde mais vale a atuação do produtor do que o artista em si. Mas voltando às canções extras, o que diferencia ela das outras? Cantando Like A Virgin ela consegue transmitir o contexto da canção com sua voz sexy que passa a falsa imagem de pura que se adequa à canção. Sua voz é frágil e seus gemidos só reforçam uma sensualidade latente. Quando Christina Aguilera entra o que percebemos? Uma voz muito mais encorpada e preparada, mas totalmente fora de contexto, onde faz a canção virar um hino gospel, com os gritos habituais das cantoras negras. Aí dá pra se perguntar se mais vale uma boa voz que uma voz charmosa. Mesma coisa com o comercial das gladiadoras para a Pepsi. We Will Rock You se transforma em algo sexy na voz de Britney, mesmo que Beyoncé tenha melhor voz e Pink tenha mais potência para o gênero da canção escolhida. É ou não qualidade de estrela fazer uma canção alheia se tornar sua? Voltemos às canções de sua álbuns oficiais. Baby One More Time não virou uma das melhores canções pop dos últimos tempos? Sendo regravada e reverenciada por muitos artistas? Não é o que acontece agora com Toxic? E a grande acusação que ela dubla nos shows? Ó! Pouco importa! Creio que quando amadurecer ela pode se tocar que não importa cantar desafinada e sem fôlego, sua "ídala" maior Madonna faz o mesmo sem vergonha e se sai muito bem assim. Seus shows não são musicais (como os de Madonna), mas espetáculos de entretenimento. Luzes, som, coreografias, cenários e muito brilho. E isso ninguém pode falar que ela não está proporcionando para sua audiência. É adequação, é não esperar que Michael Jackson seja Bob Dylan e vice versa! Outra qualidade de Britney é sua auto ironia. É se apresentar no Saturday Night Live com peitos falsos e ser dublada na apresentação para rebater acusações de implante de silicone e playback em shows. É colocar em clipes todo o circo em cima dela. Lucky já tocava neste assunto e vinha embalado numa ótima melodia. Oops também. Sua sensualidade e sexualidade ficam na tênue linha que a separa do vulgar, isto porque ela sabe que tem um ar jovial, maliciosamente infantil que a separa de outras do gênero. Aguilera vai para o lado vulgar, outras não vencem a barreira do alvo infanto-juvenil. Britney pode tanto se vestir como uma dominatrix quanto de colegial e nas duas versões ser crível, e isto não é pra qualquer uma. Muito mais poderia se dizer das canções, dos clipes, dos ensaios fotográficos muito bem planejados (para moldar sua persona pública), das participações e colaborações (a com a Madonna não se sabe ainda quem lucrou mais das duas), dos shows, das atuações (sim, ela já fez filme e continuará fazendo) e dos livros, mas por enquanto é só. Enfim, Britney Spears já mostra que tem destaque na história do pop mundial, vamos ver se consegue firmar essa posição com o tempo. Não é toda hora que vemos uma estrela nascer. posted by RENATO DOHO | 5:41 PM segunda-feira, 24 de maio de 2004 Irmãos Em Armas Arthur Dapieve Março 2002 Cada um tem o seu trecho favorito de Shakespeare. O meu está na terceira cena do quarto ato de "Henrique V". Não se trata nem de um floreio romântico nem de uma indagação existencial, mas de um brado de guerra, o que talvez diga algo sobre minh'alma. Só vou saber no dia em que passar a acreditar em terapia de vidas passadas ou coisa que a valha. É quando o rei exorta as tropas britânicas antes da Batalha de Agincourt, travada e ganha em célebre desvantagem numérica perante os franceses, a 25 de outubro de 1415. É quando Henrique diz: "Deste dia até o final do mundo nós seremos lembrados; nós poucos, nós felizes poucos, nós bando de irmãos; porque aquele que hoje derramar seu sangue comigo será meu irmão; por mais vil que ele seja, este dia enobrecerá sua condição." (Sempre que Kenneth Branagh pronuncia estas palavras – e as que as precedem e sucedem imediatamente – tenho ímpetos de juntar–me ao esforço de guerra de seu Henrique V. Sir Laurence Olivier pode ser o shakespeariano perfeito, mas Branagh é mais cinema.) Por isso, quando li que Steven Spielberg e Tom Hanks, de enorme crédito na casa desde "O Resgate Do Soldado Ryan", estavam produzindo uma minissérie de TV sobre a Segunda Guerra Mundial chamada "Band Of Brothers", fiquei ansioso. Ela foi exibida nos EUA no segundo semestre do ano passado. De passagem por Los Angeles, João Barone, baterista dos Paralamas Do Sucesso e também aficionado por assuntos bélicos, assistiu a alguns episódios. Avisou–me: "É a melhor coisa que já vi sobre a Segunda Guerra." Caí, então, num estado da mais profunda ansiedade. Fiquei marcando por pressão a estréia da série no canal por assinatura HBO. Estabelecida a data de 24 de março, anotei na agenda. E, domingo, sentei diante da TV faltando meia hora para o making of ir ao ar, às 21h. Hoje, portanto, posso fazer coro ao Barone: é a melhor coisa que já vi no gênero. Talvez fosse melhor escrever "subgênero". Porque "Band Of Brothers" – a HBO brasileira teve a elegância de não traduzir o título – é um monumento dividido em dez episódios de uma hora cada que alarga um filão dentro do gênero "filmes de guerra". Não é nem um elogio ufanista dos pára–quedistas voluntários americanos nem uma condenação pacifista dos conflitos. Ambas as tendências já renderam bons filmes de guerra. No entanto, esses irmãos em armas de Spielberg & Hanks seguem uma outra trilha, já percorrida pelo pelotão quase–suicida de "Ryan" na Normandia, pelo batalhão ensandecido de "Além Da Linha Vermelha" (de Terrence Malick) em Gualdalcanal e pelos alemães autodestrutivos atolados na neve em "Stalingrado" (de Joseph Vilsmaier). Os soldados da Easy Company não são nem super–heróis nem fantoches cegos de interesses maiores. São homens. Ao fim de cada episódio, letreiros nos dão ciência de seu paradeiro na vida (e morte) real. Batizar a sua companhia de "Easy" soa como uma ironia do tipo falar "mulheres de vida fácil" sem atentar para o duro que elas dão. Ser a companhia E do 506 regimento da 101 divisão aerotransportada americana fez aqueles 139 homens comerem o pão que Hitler amassou. Eles saltaram cinco horas antes de o Dia D alvorecer na Normandia, tomaram cidades na França e na Holanda, defenderam as Ardenas do brutal contra–ataque alemão, libertaram o campo de concentração de Landsberg e tomaram o Ninho da Águia, refúgio bávaro do Führer . Ao filmar a primeira dessas ações, os produtores e o diretor do episódio, Richard Loncraine, lograram dar uma versão aerotransportada ao ataque anfíbio mostrado de forma perturbadoramente realista na primeira meia hora de "Ryan". A impotência dos soldados descendo devagarinho entre aviões em chamas e rajadas de balas traçadoras apenas para se desencontrar dos companheiros na penumbra deu o tenso tom da série. Grudada no livro homônimo do historiador Stephen E. Ambrose, a equipe (diretores, produtores, atores, técnicos) de "Band Of Brothers" chama atenção para a coragem comum a rapazes tão distintos saídos de todas as partes dos EUA, para o senso de responsabilidade surgido dentro da irmandade e para os horrores que ela experimentou no cumprimento de sua missão. Os sobreviventes desses happy few ainda têm momentos de tristeza. Cada episódio é precedido por depoimentos de veteranos da Easy Company. Quando, quase 58 anos depois do Dia D, a gente vê um velhinho engasgando ao lembrar que muita gente foi perdida para sempre naquela madrugada, é difícil não ir junto. "Band Of Brothers", contudo, está longe de ser piegas. Dá, isso sim, um olhar carinhoso sobre uma das mais assombrosas experiências do ser humano. Uma experiência inevitável para aquela geração de americanos (e soviéticos, ingleses, brasileiros). Domingo tem mais. posted by RENATO DOHO | 2:50 AM domingo, 2 de maio de 2004 KILL BILL: Cinema de espetáculo, violência de mentira Antes de começar a matéria propriamente dita, gostaria de esclarecer uma coisa: não sou contra a violência no cinema, não acho que ela seja nociva e que estraga a cabecinha dos nossos jovens (o que faz isso são outros fatores muito mais preocupantes do que a violência na arte), ou que ela ajuda a criar sociopatas. Muitos dos melhores filmes que já vi são extremamente violentos. Sou um entusiasta do cinema de horror, e dou pulos de alegria com a trilogia dos mortos de Romero, os filmes do Dario Argento, e com a nova geração de cineastas ultraviolentos do Japão, como Takashi Miike, Takeshi Kitano, Shinya Tsukamoto, e etc. Nenhum filme é uma obra de arte pior ou menor por ser violento. A violência não faz um filme medíocre, da mesma forma que a violência sozinha – se não houver o talento excepcional por traz dos criadores – nunca faria um filme melhor. A Paixão de Cristo, de Mel Gibson, é uma merda não porque sua versão do suplício do filho do homem é graficamente explícita em sua violência. Trata-se, antes de qualquer coisa, de um filme ruim, excessivo, careta, mal dirigido, piegas, cheio de cacoetes dramáticos manjados, como câmera lenta irritantemente recorrente nos momentos de tensão, etc. Isto posto, gostaria de falar sobre Kill Bill Volume 1, fácil o pior filme da carreira de Quentin Tarantino. No quarto filme do diretor de Cães de Aluguel, Pulp Fiction – Tempo de Violência, e Jackie Brown a violência e o desejo de vingança sanguinária são o tema central. Até aí nenhuma novidade, a diferença é que, diferentemente de seus antecessores, Kill Bill é um filme fraco, bobo, escapista e espetaculoso. Quando meio mundo estava impressionado com a maturidade e a elegância de Jackie Brown, com sua violência discreta, na medida, e seu enredo bem construído e favorecido pela montagem não-linear que é marca registrada do diretor, Tarantino vem com um delírio nerd-juvenil, que se sustenta com um fiapo de história e onde a tal montagem não-linear quase não se justifica, não passando de Tarantino imitando Tarantino. Tudo no filme é fake – as cabeças decepadas esguichando sangue, os membros voando para todos os lados na já famosa seqüência da luta de Uma Thurman com 88 capangas da Yakuza –, tudo tem um exagero de desenho animado, e é justamente este exagero – aliado ao virtuosismo vazio de Tarantino (nossa, que traveling maravilhoso, mas e daí?) – que faz com que o espectador não consiga se impressionar, mas fique somente anestesiado com o espetáculo grandiloqüente das sucessivas batalhas, o claro esforço de que cada fotograma seja cool. Não conseguimos acreditar nas motivações da Noiva interpretada por Uma Thurman porque o conflito que as regem é muito pouco explorado. Os personagens são unidimensionais e rasos, e todos os eventos do filme que não são as batalhas elas próprias não passam de um hiato inexpressivo, como as historinhas banais que antecedem as cenas de sexo nos filmes pornográficos. Dizem por aí que o segundo volume de Kill Bill vai trazer de volta a verborragia meio filosofia de botequim de Tarantino; que é um filme mais denso; que o primeiro volume lida somente com o estabelecimento da heroína e que a outra metade irá dar coesão e sentido a tudo. Tomara, porque do jeito que está, Kill Bill fica só na promessa, uma pirotecnia banal, salva da mediocridade completa pelo talento indiscutível de seu diretor, mas tão esquecível quanto qualquer filme-pipoca. posted by Anônimo | 10:45 PM quarta-feira, 15 de outubro de 2003 Tarantino errou? Acabo de ler uma resenha sobre o "Elefante", do Gus Van Sant, que faz um contraponto com "Kill Bill", massacrando esse último. A pergunta urge: será que Tarantino errou feio? Tenho ouvido falar muito que Tarantino anda dizendo que "Kill Bill" foi feito "para os fãs". Ok. Estamos pisando num terreno perigoso aqui. Será que o filme é mesmo feito para os "fãs" (o que já uma maneira meio infantil de retratar os apreciadores de seus filmes, não estamos falando de groupies, não é mesmo?) ou para aqueles que o Tarantino acha que são seus fãs? Parece que o problema aqui é o que o Tarantino tem em mente quando pensa no seu público. O pouco que já vi do "Kill Bill" me cheirou um pouco a virtuosismo-ultra-cool-a-la-Jackie-Chan. Será que Tarantino acha que todos os seus apreciadores não passam de viciados em cultura pop (para entender as tais milhares de referências), fãs filmes de artes marciais obscuros, que babam diante de seqüências de ação non-stop? Tenho certeza que boa parte das pessoas que vem acompanhando a belíssima trajetória de Tarantino não espera que seus futuros filmes sejam uma simples emulação dessas coisas. Na verdade, acredito que são poucos os que querem ver um Pulp Fiction Reloaded. O que me preocupa é que depois da elegância e da inteligência de "Jackie Brown" sejamos presenteados com uma baboseira adolescente. Daquelas que fazem aqueles caras que enchem o saco de todo mundo o filme inteiro no cinema gritarem: "caraca, maneiro maluco, a mulé cortou o cara ao meio com a espada!". Fabiano Morais posted by RENATO DOHO | 11:08 PM domingo, 24 de agosto de 2003 Silêncio * "Em Carmen de Godard (França, 1983) há uma seqüência onde o casal que se isola na casa de praia conversa de frente para uma janela. Enquanto o homem fala, vemos o rosto de Carmen, e ouvimos unicamente o som do mar. Em seguida temos um plano do mar, e não ouvimos seu som, apenas música. Voltamos a ver o rosto de Carmen, no que a música desaparece, e então ouvimos a voz e o ruído do mar ao fundo, o que finalmente caracteriza uma inserção do som na seqüência que se poderia dizer padronizada. A construção do som nessa passagem se trata, na verdade, de um jogo de silêncios: 1º) silêncio da voz do homem, enquanto se ouve o mar 2º) do mar, enquanto se ouve a música 3º) da música, que cala para que se ouça a voz do homem e o som do mar Godard instaura, na edição de som, um jogo de presença e ausência entre os três elementos sonoros: quando há um, não há os outros, e, nos dois primeiros planos, o som que não está presente é justamente o que seria correspondente à imagem: a voz do homem que fala, e o som do mar que vemos. Trata-se do silêncio do som mais óbvio." * - trecho da monografia SOM NO CINEMA, SILÊNCIO NOS FILMES de Fernando Morais Da Costa. posted by RENATO DOHO | 1:43 AM segunda-feira, 30 de junho de 2003 Placebo Conversando coisa de um mês atrás com André Martins, vocalista e líder da banda de pós-punk Jeanna Fine, comentei que o Placebo era a melhor banda de rock da atualidade, André disse algo como: "da atualidade? O Placebo é a melhor banda de rock de todos os tempos!" Eu ainda não tinha ouvido o novo trabalho dos mancebos, Sleeping With Ghosts e ri do exagero. Depois de ouvir o disco (valeu pelo piratão, FSX!) entendo a euforia do rapaz e digo até: o Placebo é a melhor coisa que surgiu no cenário do rock inglês desde os Smiths. Sleeping with Ghosts é o sucessor de um disco que só pode ser classificado como do caralho, Black Market Music. A diferença é que no Sleeping... Brian Molko (vocalista e guitarrista) chegou ao topo de uma escalada como letrista que já vinha de longe. As letras são poesia pura, basta lê-las no encarte (se você tiver o cd original, no meu caso eu imprimi e li mesmo) que a musicalidade dos versos salta aos olhos. Além disso, as melodias das canções colocam gente como Noel Gallagher e aquele bosta do Coldplay no chinelo, fácil, fácil. O disco começa com o petardo instrumental "Bulletproof Cupid", Brian Molko tirando aqueles sons que só ele sabe tirar das guitarras e Steve Hewett estraçalhando tudo na bateria. A próxima boa surpresa é a belíssima "This Picture", provavelmente a melhor música do Placebo, com as ótimas rimas inusitadas que são marca registrada de Molko como, "angelic fruit cake" com "control your intake" ou "open sores" com "semaphores". A faixa-título é uma balada sofrida e bonita sobre a perseverança do amor em tempos conturbados. É bom ver gente que fala de amor sem ser meloso e piegas. O single "The Bitter End" é um rock veloz, melódico e eficiente; para pular nas festas. A próxima que te pega pelo pescoço e não larga mais é "Plasticine", com sua pegada punk e letra inteligente: "beauty lies inside desire / and every wayward heart redeemed / that doesn't sell it's soul for self-esteem". As baladas "Special Needs" e "I'll Be Yours" mantêm o nível lá em cima, mas a coisa volta a ficar muito séria com "Protect me From What I Want" e seu tempo diferente de tudo que o Placebo já fez e métrica impecável. O disco fecha com "Centerfolds" que prova que até quando os caras querem fazer uma balada rasgada, no limiar entre o bom gosto e o Elymar Santos, fazem diferente: atenção para o piano fantasmagórico (é esse o adjetivo, ouça e você vai entender) do refrão. Enfim, um disco obrigatório para quem gosta de rock feito por pessoas sensíveis e inteligentes, mas que não são frescas nem caretas. Ouça agora. Fabiano Morais posted by RENATO DOHO | 12:46 AM segunda-feira, 23 de junho de 2003 Dawson's Creek 
E a série chega ao seu final. Como comecei a ver o seriado? Havia uma expectativa em ver o que o criador de Pânico faria na tv, mesmo sabendo que seria uma série dramática e não de suspense. Fui fisgado pelo episódio piloto que estabelecia quase toda a série: o relacionamento de Dawson e Joey, amigos desde crianças agora perturbados com as mudanças de idade; uma nova moradora para criar um triângulo amoroso (que vai se modificar muitas vezes durante a duração da série); a paixão de Dawson pelo cinema e por Spielberg; falas cheias de referências e complicadas para a idade dos protagonistas (houve reclamações do público quanto a isso); boa escolha de músicas e um toque emocional. Muitas pessoas passaram pela série, Katie Holmes deve ter sido a que mais se beneficiou com a série. Outras beldades que passaram pelo seriado foram Monica Keena, Sasha Alexander e Brittany Daniel. A primeira temporada quase que completa é marcante, destacando o piloto e o episódio que faz uma homenagem ao Clube Dos Cinco. Vários outros episódios das demais temporadas foram significantes. Havia sempre um episódio da temporada que não tinha nada a ver com a trama do seriado, um suspense, apesar de divertidos não eram lá grande coisa. Muitos acham que o seriado devia ter terminado em Capeside, sem mostrar a vida acadêmica dos personagens, desvirtuando a origem do seriado. É verdade que desvirtuou, os roteiristas tiveram que forçar a barra para deixar os principais personagens rondando Boston ao invés deles seguirem para as mais variadas partes do país como seria na realidade, mas no meio disso tudo houve bons epísódios, inclusive o triste episódio da morte do pai de Dawson. Então se você por acaso não viu o seriado tente ver a caixa de dvds recém lançada por aqui para ser fisgado também. Em Julho a Sony reprisará todos os episódios da última temporada. Nota - a abertura internacional do seriado na sua primeira temporada tinha como tema a bela Run Like Mad da Jann Arden, música nunca gravada inteira e nunca lançada em lugar algum, nos EUA o tema era a oficial, I Don' Want To Wait de Paula Cole. Vale conhecer essa versão alternativa da abertura, que eu considero muito melhor. posted by RENATO DOHO | 10:49 PM sábado, 26 de abril de 2003 Zwan - Mary Star of the Sea Poucas vezes esperei tanto tempo um disco como o da nova banda de Billy Corgan (ex-líder dos Smashing Pumpkins, para os que passaram os anos 90 em Marte), Zwan. Mary Star of the Sea demorou uma eternidade para ser lançado depois do anúncio, no final de 2000, que Corgan tinha um novo projeto. A expectativa geral era grande, mas acredito que ninguém estava preparado para o que vinha pela frente. Antes de falar do disco propriamente dito, gostaria de esclarecer que acho Billy Corgan um sujeito de uma coerência incrível no decorrer de sua carreira. Sincero na sua arte, podemos ver claramente, se acompanharmos cronologicamente suas composições, o processo de amadurecimento do artista e da pessoa por trás da persona pública assumida, e propositalmente caricata, de rock star. Desde de a angústia pós-adolescente dos primeiros discos dos Smashing Pumpkins Gish e Siamese Dream, passando pela tristeza mais adulta e o conflito entre o niilismo e o sublime do épico Melon Collie and the Infinite Sadness, e chegando à confusão existencial/teológica de Machina - The Machines of God, onde Corgan se apresenta como um homem às voltas com uma espiritualidade fragmentada e indecisa, um disco onde no meio de tanta desordem espiritual e tristeza podemos encontrar faixas como With Every Light, onde o que é cantado é a alegria de se estar vivo, onde a felicidade decorre simplesmente de o sol estar banhando seu corpo. Corgan não estava mais cantando para o adolescente angustiado dentro dele, ou para os adolescentes angustiados do mundo, segundo declaração dele próprio. O que nos leva ao Zwan. Uma outra declaração atual do compositor é que você pode fingir tristeza bem facilmente, mas não dá para fingir felicidade. Essa declaração diz tudo sobre o disco Mary Star of the Sea: este é um disco alegre, solar. Talvez um dos motivos dessa alegria seja o fato de que Corgan está finalmente em dia com sua religiosidade. A primeira faixa, Lyric, começa com o seguinte verso: "Here comes my faith to carry me on" ("Lá vem a minha fé para me levar adiante). Mais adiante, em Ride a Black Swan, Corgan proclama: "I want us to solve our distrust of everyone / and trust in God" (Eu quero que nós resolvamos a desconfiança que temos de todos / e confiemos em Deus). E, de forma mais explícita, ainda temos Jesus I (que emenda com a faixa-título Mary Star of the Sea), uma espécie de hino gospel hard rock, com acordes mântricos e bateria (a cargo do espetacuar Jimmy Chamberlain, ex-Pumpkin) grandiloqüente. Estranho e, de certa forma, anti-comercial, mas funciona. Ou melhor, funciona sim, mas não tão bem quanto um disco dos Pumpkins. O fato é que apesar de todo o interesse que este "novo" Billy Corgan possa causar, as músicas, com exceção da épica Jesus I / Mary Star of the Sea, estão aquém das capacidades do compositor. Em sua maioria, são canções pop redondinhas e esquecíveis, sem a pegada pumpkiana a que estamos acostumados. Pelo final do disco, você já está cansado de músicas como "Desire" e "Come With Me", monótonas e parecidas entre si. Parece que na hora de sair do forno, a massa desandou e ficou faltando aquele ingrediente básico de qualquer música pop: a empatia. Elas não te arrebatam e ficam na cabeça, não estão lá os refrões potentes ou os riffs de guitarra poderosos que Corgan costumava criar aos montes, nos seus momentos mais inspirados. Merecem destaque, porém, a belíssima balada Of a Broken Heart; o rock desavergonhado, e de título sugetivo, Baby Let's Rock; e o single Honestly, um pop básico mas eficiente, com uma letra inspirada. Mas para um disco de 14 faixas é pouco. Ou melhor, para Billy Corgan é pouco. posted by Anônimo | 3:42 PM quarta-feira, 8 de janeiro de 2003 Segue um texto que eu fiz como uma redação no curso de inglês. Pra um texto feito em 50 minutos até que não ficou ruim. Alguém advinha em que filme eu me inspirei? SAY GOOD-BYE ON A NIGHT LIKE THIS... Lydia looked out of the car window and thought to herself, ´Is it never going to stop raining?´ She was alone and her boyfriend had gone to buy a couple of beers to them. And it had been an hour he went. It had been an hour it was raining, too. She felt desperate and decided to leave the car and look for him. She didn´t know where the bar was. But she couldn´t be inside that car anymore. The rain was hard and the streets were dark. She felt very scared when she saw five men coming to her direction. But they passed through her without disturbing.She saw a bar. It probably was the bar where her boyfriend had gone to. She entered the place and saw some people drinking. Some of them were already drunk. She asked the barman about him. He said that a man had been there forty minutes ago and had bought two beers. She decided to go back to the car. `He is probably there waiting for me`, she thought. A bat passed next to her making a strange noise. When she got in the car, she saw him waving to her. `What a relief`, she said. She held him very strongly and kissed him on the mouth. Then, she realised his body was very cold, his skin was too white an his teeth were too big. She screamed terrified. And her tongue was BLEEDING!!!! posted by Ailton Monteiro | 4:51 PM terça-feira, 10 de dezembro de 2002 Estrutural-DF: a indiferença mora ao lado – visita a Estrutural, aula extra de PAPE * Sexta-feira 06 de dezembro de 2002. Fomos seis alunos, de uma turma de aproximadamente 25, mais o professor. Passamos uma tarde no assentamento da Estrutural. Lá chegando registramos nossa visita na gerência e, auxiliados pela agente comunitária Helena, andamos pelas ruas de chão batido, às vezes com esgoto a céu aberto formando poças. Pudemos conversar com alguns moradores, indagar sobre seus anseios e necessidades e também visitamos suas casas. Confesso que nunca tinha estado em favela ou qualquer lugar parecido. Para mim, um morador do plano piloto de Brasília, o contato com outra realidade (a miserável) foi chocante. Sem dúvida, como o próprio Cariello afirmou, “essa visita vale por 10 aulas”. Foi um aprendizado especial para vida. O mais surpreendente é a força e a coragem dos moradores. Sobrevivem sem as mínimas condições num ambiente hostil (pelo menos para as classes média e alta). É gente boa que habita aquelas casas sem água encanada, sem esgoto, com gambiarra elétrica, insalubres. Há muitas crianças, muitas meninas esperando filhos, ou já com filhos. Os pequenos sofrem com doenças transmitidas por cachorros, numerosos por sinal e livres, porém magros, doentes e famintos. Já dizer que são pessoas trabalhadoras torna-se mais complicado, já que nem todas trabalham, muitas sobrevivem recebendo cestas-básicas azuis; triste e desesperador. Parece sem solução. Surge a questão da aula (segunda-feira 9 de dezembro à noite): remover ou manter o pessoal na Estrutural? Existem moradores com mais tempo de Estrutural do que todos meus anos vividos – que direito eu teria de achar, mesmo que hipoteticamente, que a solução seria remover os moradores, ou parte deles? Respondo: nenhum. Simplesmente são pessoas que desejam, sonham seu pedaço (doado) de terra. Ao indagar a um morador o que ele sentia mais falta na Estrutural, algumas respostas que seriam esperadas como água encanada e saneamento em geral não foram lembradas. O que faz falta é a escola perto pra deixar as crianças, é o hospital, ou seja, os equipamentos urbanos que qualquer cidadão quer. Na verdade não parece importar a falta de água encanada em casa (nunca tiveram antes), só o fato de estarem num lote que futuramente e, se o Santo Roriz quiser, será deles. Os moradores, enfim, serão donos. O que Proudhon diria, hein? E olha que os habitantes nem são proletários. O que esses pobres moradores são? São seres humanos. São um nada ignorados pela sociedade pseudo-intelectualizada e endinheirada. São os ELEITORES lembrados nas promessas de campanhas e esquecidos nas realizações políticas. São os cidadãos sem cidadania. O que eles querem? Vão até a Estrutural e perguntem a eles. Não mordem, garanto. Não há mais condições de chegar em casa deitar na cama e dizer “graças a Deus!”, ou mesmo se expressar: “não sou rico, mas tem muita gente pior ...” e tem mesmo, não nos conformemos, insuficientemente não. “Graças a Deus!” Só isso não basta. Brasília, 9 de dezembro de 2002. *PAPE = Projeto de arquitetura de problemas especiais. Tema: habitação popular. Professor: Orlando Cariello. Esta aula é dada na Universidade de Brasília, Faculdade de Arquitetura e Urbanismo. 2º semestre de 2002. posted by Anônimo | 12:20 AM quarta-feira, 27 de novembro de 2002 Escrevendo por escrever (26 nov. 02 primavera ainda) Há pouco dias conversei com o Foreman*, ele me disse que já haviam pessoas em férias escolares em Jales. Pensei: Caralho, quem mandou eu estudar em faculdade pública e de qualidade (?), só vou ter um recesso de duas semanas e um monte de trabalhos atrasados e novos pra serem feitos, calor, quente, praia (cadê você?), ah! GREVE! GOVERNO! O ESCAMBAL! Sessão nostalgia do colégio: as férias começavam sempre na primeira semana de dezembro. Aos poucos os primos de São Paulo, de São Carlos amontoavam-se aos de Jales. Hoje sou um que chega, de volta pra casa dos pais, logo Brasília entrou pra família também. Fim de ano a gente se reúne e fica confabulando. Estou experimentando sensações novas, como deixar a barba crescer; o que é foda, porque demora mais de mês pra parecer que tenho alguma coisa peluda contornando o rosto, sem contar que incomoda pacas. Uma coisa boa, pra relaxar, que descobri em Brasília é a meditação, melhor que fumar maconha. Aliás, maconha é uma bosta. Não tenho barato do tipo ver o cosmo, elefante rosa, ou qualquer coisa psicodélica surreal – não mesmo. Com a meditação, sim! Você relaxa em 20 minutos, alivia toda a tensão e tem a vantagem de não ficar idiota no resto do dia (assim que me senti quando experimentei maconha). Sem contar que não contribui com o enriquecimento de filhos-da-puta de traficantes e as conseqüências de suas ações na sociedade. Só pra falar de filmes, assisti a alguns filmes do 35º Festival do Cinema Brasileiro de Brasília. Muita coisa boa – viu seu Renato. Show de filmes e show do público que lotou todas as sessões. Destaco os longas “Amarelo Manga” de Claudio de Assis e “Dois Perdidos Numa Noite Suja” de José Joffily; dos atores gostei do Chico Diaz, Matheus Nachtergaele (ambos em Amarelo Manga), gostei também do Roberto Bomtempo (Dois perdidos ...). Alguns vencedores do festival, (R$ premiação) – com merecimento Melhor Filme – AMARELO MANGA (50.000,00) Melhor Diretor – José Joffily, pelo filme DOIS PERDIDOS NUMA NOITE SUJA (10.000,00) Melhor ator – Chico Diaz, no AMARELO MANGA (5.000,00) Melhor atriz – Débora Falabella, no DOIS PERDIDOS NUMA NOITE SUJA (5.000,00). Vi também as exposições do Picasso (simplesmente belíssima) e Lúcio Costa 100 Anos (foi umas das mais espetaculares e emocionantes exposições, que lição este arquiteto nos deixou – ainda bem!). Em breve ocorre exposição do grande artista plástico – o maior de Brasília – Athos Bulcão, estou escrevendo um ensaio sobre algumas de suas obras em Brasília integradas à arquitetura, esse autodidata da arte sabe como ver e sentir esse mundo e, melhor, como transmitir com sutileza, emoção e beleza. É isso. Escrevi só por escrever. Sem querer saber se estou sendo útil, se está correto a gramática, ou se você que estar a ler vai se sentir melhor – ou não. Não hoje. * foreman é um conhecido ae! posted by Anônimo | 12:53 AM terça-feira, 26 de novembro de 2002 COMIX Comentários sobre as últimas HQs que li: A PAIXÃO DE ARLEQUIM, de Neil Gaiman e John Bolton: a arte está exceletente, bem diferente, mas a história me decepcionou um pouco. Cadê a paixão do título? A melhor coisa é ficar por dentro da história de figuras míticas como Arlequim, Pierrot, Colombina, citados em canções do Los Hermanos. Editora Conrad. SIN CITY - A GRANDE MATANÇA, de Frank Miller : uma das melhores histórias em quadrinhos já feitas. Frank Miller é fodão e nessa obra o uso do preto e branco sem meio termo faz a diferença. Mas a história é cheia de ritmo, vitalidade. Parece um bom filme de gangster, só que mais sangrento, mais fudido. Grande Frank. Pandora Books. CAVALEIRO DAS TREVAS 2, de Frank Miller: Essa mini-série foi bastante polêmica. Muita gente detestou. Mas quando eu fui reler as duas primeiras até gostei e vi que Miller foi incompreendido. A sua obra é bem política e ousada. Cutuca os meios de comunicação, o governo e mostra um mundo mais caótico que o da primeira DK. Editora Abril. SANDMAN # 20, de Neil Gaiman. O nome da história dessa edição é "Fachada" e fala sobre uma estranha mulher que sofre de depressão por razões singulares. Participação especial da morte. Editora Brainstore. DYLAN DOG # 3. Essa edição não está tão boa quanto a segunda, mas é bem legal. Só achei meio confusa com essa história de reencarnação misturada com clonagem. Editora Mythos. PREACHER - CIDADE NUA, de Garth Ennis. Reunião das 3 primeiras edições nacionais de Preacher. Foi o meu primeiro contato com alguma obra do Ennis. Bem malucão e violento. Editora Tudo em Quadrinhos. Aguardando chegar nas bancas: SANDMAN #19 SANDMAN: MORPHEUS DYLAN DOG # 4 MONSTRO DO PÂNTANO - Volume 1 OS MAIORES CLÁSSICOS DO HOMEM ARANHA ARQUEIRO VERDE - O ESPÍRITO DA FLECHA, de Kevin Smith. Mini-série em 5 edições a sair pela Panini posted by Ailton Monteiro | 10:37 AM segunda-feira, 18 de novembro de 2002 Meu Deus, como isso é velho! (O PALCO) NA ESTRADA SEQÜÊNCIA 01 (exterior / estrada / dia) Vemos as faixas da estrada e a seguir ouvimos os passos de alguém; os pés surgem em sapatos, botas. SEQÜÊNCIA 02 (interior / palco) Outros sapatos no palco param. Um ator na ribalta. Ele olha para os pés e ele olha para frente. Ele está vestido com uma camisa branca com muitos floreios e rendas e suas calças são pretas. Ele anda um pouco para frente e subitamente tira uma adaga do bolso de trás ameaçando quem está a sua frente, no caso o público que não vemos. SEQÜÊNCIA 03 (exterior / estrada / dia) Uma ponta de faca ameaça o queixo de uma mulher que está com uma mordaça na boca. A mulher está com seus braços amarrados em suas costas na beira da estrada. Um homem a ameaça, o mesmo que interpreta o ator no palco. Ele se veste diferentemente. HOMEM: – [grita] Não! Nada! Nada! [se acalma] Não há nada aqui... Você e eu... SEQÜÊNCIA 04 (interior / palco) O rosto do ator. ATOR: – Aqui. Ele se ergue. Encara o público que está quieto e apreensivo. ATOR: – Tirem suas máscaras, por favor! Rasgue–as. Destrua–as. Como eu faço aqui, agora! O ator faz um corte em seu rosto com a adaga. Som de alguns na platéia se chocando. ATOR: – Eu vejo suas faces, de cada um de vocês e nada me agrada mais do que sentir, perceber que vocês não passam de vermes. Eu os domino durante esse momento. Não é perturbador? O ator parece encarar alguém da platéia. ATOR: – Não, você não me domina, eu não existo somente para você. Você não me cria e por isso não pode me dominar. Eu sim, os crio. [pausa] Minhas crias... Tão frágeis, tão carentes... [pausa] Não mais! Não mais as suas inquietudes, não mais suas aspirações, seus traumas, seus desejos. Não vou ser mais a sua muleta, sua muleta para pensar, para refletir, para se divertir, sua muleta para se identificar. Não sou seu espelho, não sou espelho de ninguém! Chega de suas súplicas, chega de seus aplausos. Falsos! Idiotas! A quem enganam? A si próprios? Eu quero sua atenção, eu quero sua obediência, eu quero é o seu dinheiro! O ator aponta para pessoas da platéia que não vemos. ATOR: – Sim, senhora. Sim, senhor. É, meu rapaz. É, minha jovem. O dinheiro. E sua adoração. Ah, sim como eu quero. [ri] Som de pequeno choro. ATOR: – Não. Por favor, eu não... quero dizer, eu... O ator de súbito se agita, roda pelo palco a esmo e sai pela cortina ao fundo. SEQÜÊNCIA 05 (exterior / estrada / dia) Uma lágrima cai do rosto da mulher e é aparada pelo dedo do homem. Ele acaricia o rosto dela. HOMEM: – O que você acha que eu posso fazer? Não tema, sua pele é tão... não vale a pena. Se eu disser que te desejo você vira as costas, não é? Se te odeio nada adianta. E mesmo assim, suja, amarrada, dominada, você é que comanda tudo, não é? Nada que eu faça muda isso. Há muito tempo eu acho que a gente devia fazer isso. Tirar as máscaras. Colocar cada coisa no seu lugar, como num palco, com as luzes se acendendo e os aplausos vindo... As cordas estão machucando? Mulher acena que sim. HOMEM: – Oh, minha querida, eu... eu te soltarei daqui a pouco. Não se preocupe. Uma rajada de vento faz com que ele veja o local onde está: uma estrada deserta, árida. SEQÜÊNCIA 06 (interior / camarim) O ator está no camarim iluminado apenas com as luzes em volta do enorme espelho. Está sentado e se maquia. ATOR: – Não é esse rosto que faz tudo? Não é essa pele castigada pela maquiagem, dia após dia, espetáculo após espetáculo, esperando sempre aceitação, que faz tudo? [pausa] E essa voz que se faz ouvir ao longe de onde sai o lhe foi dito, o que foi escrito sem saber o que se passa aqui dentro [bate no peito], mas ó dádiva, depois de pronunciadas são partes essenciais de nossa vida como se já habitassem essa morada muito tempo atrás. Ele lacrimeja um pouco e passa um pano no rosto. ATOR: – Se não sou eu o caminho, se não sou eu o instrumento, quem poderia ser? Quem entre os que vivem e os que morreram? Esse corpo eu trabalho, essa visão eu empresto, meu choro, meu riso. Os pés que saltam e caminham horas e horas. Minhas vestes. E esse rosto... Eu te adoro. Ele toca sua face pelo espelho e desliza por ela. ATOR: – Eu faço por ti. Eu preciso de ti. Nada mais resta. Nada mais é necessário. Não é o carinho da mãe, o calor da amante, o abraço do amigo... É você. Como nunca deixou de ser... você. Ele se aproxima do espelho e se beija. SEQÜÊNCIA 07 (exterior / estrda / dia) O homem beija a face da mulher. SEQÜÊNCIA 08 (interior / camarim) O beijo no espelho é longo e prolongado, vindo a provocar lágrimas e choro. Ele se recompõe. Arruma a maquiagem. Guarda com cuidado todos os apetrechos. Pega numa bolsa um maço de cigarros e tira um. Acende e lentamente aspira e solta a fumaça no espelho. Ele pára e olha o cigarro se queimar, ele estende a mão e apaga o cigarro em sua palma. Ele segura a dor e ajeita a roupa. TELA PRETA SEQÜÊNCIA 09 (interior / palco) Uma luz se acende e o ator está no palco já maquiado. Ele se curva em agradecimento à platéia que não emite som algum. ATOR: – Já podemos continuar com o espetáculo. Ele respira fundo. ATOR: – Serão os deuses pérfidos a ameaçarem minha própria sorte? O destino que já fora traçado vem a sofrer interferências de vós ó imortais. Danem–se as divindades. Eu invoco seus poderes aqui em minha morada! A luz se apaga de repente e o público se espanta. Um som de pancada. Corte rápido para a... SEQÜÊNCIA 10 (exterior / estrada / dia) A mulher chuta por entre as pernas do homem, que grita, cai ao chão e se contorce. Ela se levanta com dificuldade e uma luz incide sobre seus olhos. Corte rápido para a... SEQÜÊNCIA 11 (interior / palco) Uma vela acesa. Logo o rosto do ator aparece por detrás da vela. Ela é posta na beirada do palco, iluminando uma área pequena na qual o ator fica de pé. ATOR: – Um pequeno incidente. Nada de grave. Nada de alarmante. Apenas a luz. Sim, a luz. Um som de carro surgindo e freiando. O ator se espanta e olha para o lado e atrás. Corte rápido para a... SEQÜÊNCIA 12 (exterior / estrada / dia) Um pneu freia no asfalto. Um carro pára e dele surge outro homem, um jovem. A mulher corre em sua direção. Ela emite sons, já que a boca continua amordaçada. O jovem desce do carro e vem acudi–la. JOVEM: – O que houve? Calma, calma. HOMEM: – [off] Não faça nada seu vermezinho! SEQÜÊNCIA 13 (interior / palco) As luzes são acesas e outro ator (o mesmo jovem da estrada) entra em cena. JOVEM: – Mais uma vez venho a te encontrar, caro colega. O ator se afasta dele. ATOR: – Como ousa? Suas entradas são inoportunas como a vez que você foi aparecer em hora inapropriada para minhas necessidades. JOVEM: – Suas necessidades? Aquela jovem não diria isso. Ela sofreu, não? Naquele calor. ATOR: – Não. [pausa] Não fazia, calor. JOVEM: – Fazia. E aquela jovem lá amarrada, deixada ao desespero. Os pulsos em carne viva e a língua seca querendo água. Sim, fazia calor. Como hoje faz frio, como amanhã estaremos dizendo as mesmas falas, sim fazia calor! ATOR: – Sim, agora me lembro... SEQÜÊNCIA 14 (exterior / estrada / dia) O homem empunha sua faca e desafia o jovem. Ele tira seu canivete. Os dois se estudam. SEQÜÊNCIA 15 (interior / palco) Os dois atores se desafiam, os dois com adagas. SEQÜÊNCIA 16 (interior – exterior / palco – estrada) Com montagem paralela o ator enfrenta o jovem da estrada e o homem luta com o jovem ator, como se estivessem num mesmo espaço físico. O golpe mortal é desferido. Na estrada o homem é atingido. No palco é o jovem ator a sofrer o golpe. Aplausos. SEQÜÊNCIA 17 (exterior / estrada / dia) O homem está no chão. Agoniza. Em sua face está um corte idêntico ao feito pelo ator no palco. HOMEM: – Maldito. Não sabe o que fez. O jovem se aproxima. HOMEM: – Eu não quero ser lembrado por isso. Só [geme de dor] quero ser lembrado como o grande ator que fui. [respira com dificuldade] Você não sabe disso, não é vermezinho? [tosse sangue] Fui um grande ator, grande. [morre] Jovem o encara e enxuga a face com a camisa. Vai até a mulher e a solta. Antes de qualquer coisa a mulher sai correndo. O jovem expressa querer falar algo mas desiste. SEQÜÊNCIA 18 (interior / palco) O jovem está morto no palco, só que agora uma máscara está em seu rosto. O ator se volta para o público e encontra tudo vazio. Ele desce para a platéia e vê uma caveira numa cadeira vazia. Ele pega a caveira e a encara. ATOR: – Foi você o bobo da corte? Ou você é aquele que a pouco me apladiu, que fez minha existência mais valiosa. Que agora eu entendo que era minha razão, meu sentido. Parece que a cada noite as pessoas se despedem e fico eu. Toda noite me despeço de quem não conheço e mesmo assim vivo por isso. E pareciam amigas, pareciam minhas irmãs, meus amores, minha mãe... meu pai. Ele passa pelas cadeiras vazias com a caveira em sua mão. ATOR: – A cada dia eu me perco ao final. E a cada abrir de cortinas eu passo a procurar durante todo o tempo a minha identidade. A minha vítima. O meu mestre. Ele sobe novamente ao palco. ATOR: – Se tudo isso é uma representação ou se minha imaginação fugiu ao controle apenas os outros saberão. Eu não sei nada. Eu me entrego. O ator ergue os braços e se curva como se agradecendo. ATOR: – Eu faço de vocês meus senhores. Eu faço de mim escravo. E, porém, sigo... Ele se vira e caminha, saindo pela cortina. As luzes se apagam. SEQÜÊNCIA 19 (exterior / estrada / dia) O jovem entra no carro e parte. Logo a diante ele vê a mulher parada na beira da estrada, braços juntos ao corpo, estática. Ele passa e olha pelo vidro do carro e depois pelo retrovisor. Segue. A mulher está com o olhar perdido ao longe. Momentos se passam. Vento no cabelo. Ela fecha os olhos. FIM posted by RENATO DOHO | 8:20 PM quarta-feira, 6 de novembro de 2002 VERMELHO Os dois estavam de frente um para o outro. Aquele dia não era como qualquer outro. Eles iriam ter a sua primeira relação sexual juntos. Um vinho caía bem, para diminuir a tensão e torná-los ao mesmo tempo mais excitados e relaxados. O local estava agradável. Bebiam o vinho, sabiam que aquele era o dia. O namoro estava indo bem, mas sexo era fundamental. Outros assuntos apareciam na conversa, mas eles sabiam que nenhum desses asssuntos realmente importava. Ele tenta quebrar o gelo: - Como é? Vamos mesmo hoje? - Você está preparado para qualquer coisa hoje à noite? - ela perguntou. - Sim - respondeu, achando a pergunta um tanto quanto estranha, e sentindo um frio na barriga. - Então vamos. Nesse instante de nervosismo e excitação, ele derruba seu copo de vinho. O vermelho tinge a toalha da mesa. Rapidamente, pega o copo. E tem uma estranha sensação. Já tinha visto em algum filme que vinho derramado não era sinal de boa sorte. Mas tenta esquecer a superstição e volta a encher o copo. Já não aguentando mais a expectativa, eles pedem a conta. Ao sair do bar, sentem aquela sensação agradável de leveza provocada pelo álcool. Aquilo é bom. E a brisa da noite e o som do mar tornam a sensação ainda mais gostosa. Pegam o primeiro táxi que aparece e partem para o motel. Entram na suíte. Ele liga o rádio numa dessas FMs pop. E começam a se acariciar, a se beijar. Ele tira a parte de cima da roupa dela. Ela faz o mesmo com ele. Ele elogia os belos seios dela. Ela fala que outros já disseram o mesmo. Ele continua nas carícias. Ela responde com sons que o excitam. Até que ela pára e fala: - Eu tenho uma coisa pra te dizer. - O que? - pergunta ele ainda beijando o seio dela. - Eu sou virgem. - O que?!? - É verdade. Eu já fui pra motel diversas vezes com outras pessoas, mas o medo não deixou eu me livrar disso. Você me ajuda? Ele fica atordoado. Isso nunca acontecera com ele antes. De repente, todos os detalhes da relação que eles tiveram antes começa a fazer sentido. A essa altura a excitação já estava prejudicada. Apesar do baque da surpresa em tal momento, ele tenta. Em vão. Ela chora. Começa a achar que jamais vai conseguir perder a virgindade. Ele a acaria no púbis. E usa seus dedos. Até que gotas de sangue vermelho molham a cama. Ela chora. Ele acha lindo a visão de seu rosto sentindo dor. Pensa no limite entre a dor e o prazer. No rádio, toca uma canção: "Nunca pensei um dia chegar E te ouvir dizer Não é por mal Mas vou te fazer chorar Hoje vou te fazer chorar." E ele, com a sensação de dever semi-cumprido, começa a pensar nas coincidências daquela noite. posted by Ailton Monteiro | 3:11 PM sexta-feira, 4 de outubro de 2002 Reprises Curioso que esses dias de madrugada enquanto estou conectado para depois tomar banho e preparar minha "cama" (um saco de dormir no chão, só pra fingir que estou deitado em algo suave hehe) na Globo passam os Intercines de sempre, mas ontem e hoje foram exibidos dois filmes que há tempos não revia: Rapaz Solitário e O Primeiro Ano Do Resto De Nossas Vidas. O primeiro é aquele com o Steve Martin, pra mim clássico, com muitas situações que já passei como sentar sozinho para comer num restaurante. As situações são ótimas na adaptação que Neil Simon fez baseado no livro de Bruce Jay Friedman. O outro é filme de turma década de 80, não vi muito mas revendo duas cenas ajudaram a lembrar porque gosto do filme e do Emilio Estevez. A cena é de Andrew McCarthy se revelando para sua amiga, ela que achava que ele até podia ser gay pois não ficava com ninguém. A do Emilio é a estória dele com a Andie MacDowell (professora? esqueci a relação entre eles), só sei que no final ele está indo embora do chalé dela e do marido e ela fala que sempre vai pensar em como seria, mas não pode por causa de sua situação, então Emilio, de surpresa, dá um longo beijo nela enquanto o marido vai buscar uma máquina fotográfica para tirar uma foto dos dois. A cara da Andie depois do beijo é inesquecível, aquele olhar de estar arrebatada, que teve um gosto do que poderia ser, ao mesmo tempo tendo que disfarçar por estar do lado do marido e o carro saindo enquanto ela olha a foto, como eu me identifiquei com o Emilio nesta hora, na maior felicidade dentro do carro! Uma situação que permanecerá na memória dos dois, secretamente para ela, e talvez bem mais forte por não ter sido uma coisa realizada, mas sim algo apenas deixado para a imaginação. Dois bons filmes que trazem lembranças. posted by RENATO DOHO | 4:06 AM quinta-feira, 3 de outubro de 2002 Livros Mais uns livrinhos pra coleção: - Cinemais N.18, na verdade um periódico que tem textos de cinema editadas em formato de livro. Entre os vários textos uma entrevista longa com Carlos Reichenbach e dois sobre Júlio Bressane. - O Cinema Americano Dos Anos Trinta, de Olivier-René Veillon. Tinha lido e gostado bastante do livro do mesmo autor sobre os anos 50. São pequenas introduções nas obras de cineastas representativos da época (ótimas análises) e a filmografia completa (melhor, com os títulos nacionais também). Neste são 18 cineastas abordados, entre os quais Chaplin, Capra, Lubitsch, Michael Curtiz, William Wellman e William Wyler. O legal também é dos que não conheço e passo a me interessar (como aconteceu no outro livro que até xeroquei de alguns cineastas). - O Desespero Humano, de Sören Kierkegaard. Da coleção Obra Prima De Cada Autor, pocket books com preços acessíveis da Martin Claret. Kierkegaard até agora só ouvi referências em outros lugares como no livro A Negação Da Morte ou nos filmes do Woody Allen (e alguns textos do Luis Fernando Veríssimo). posted by RENATO DOHO | 2:45 AM domingo, 15 de setembro de 2002 Tão simples como possa parecer ele acreditava no Amor. Quanto ao resto das coisas idiotas deste mundo idiota tinha suas restrições. As pessoas mentem tanto, traem tantas vezes e decepcionam a todos os momentos, dizia, as vezes acho difícil confiar em alguém. Mas isto não o fazia desacreditar no Amor, apenas fortalecia sua convicção da necessidade que tinha de amar, por que para ele fora isto nada restava senão idiotices. Para cada traição, mentira e decepção que sofria costumava inventar teorias. Houve a “teoria do zíper miocárdico” que dizia que cada amor não correspondido cortava o coração e que com o tempo aparecia no buraco um zíper que juntava os pedaços separados, dizia ainda que era muito mais fácil abrir um zíper do que fazer um novo corte no coração. Criou também a “teoria das correntes dispersas do destino” que dizia que as pessoas são pedaços de papel que voam ao sabor dos ventos e que só permanecem juntas em quanto o vento assim o permite. Para ele não haveria nenhum pedaço de papel igual a outro e o vento, quando percebia esta diferença, separava os dois pedaços que estivessem juntos, por isto o grande lance desta teoria era que quanto mais parecidos fossem os pedaços de papel mais tempo se conseguiria enganar o vento. Mas eram apenas teorias de um romântico ou talvez uma forma de auto-consolação. Embora não fosse do tipo que desanima fácil, com o tempo pude perceber em seu rosto uma certa tristeza, um ar melancólico. Alguns arriscaram o palpite de que ele precisava de uma garota, mas aqueles que o conheciam tão bem quanto eu o conheci sabiam que haviam mulheres em sua vida, mas não havia entre elas a mulher de sua vida. Era triste mas simples sutilezas gramaticais envolviam os complexos sentimentos humanos do meu amigo. Restam algumas coisas importantes a serem ditas sobre ele. Nunca vi alguém se apaixonar tão rápido. Para ele todas as mulheres tinham o potencial para serem a mais especial que ele já conhecera, tinha até uma teoria que explicava isto. Para todas elas se desmanchava em versos e rosas. Nunca vi textos tão profundos serem escritos para mulheres tão superficiais. Mas ele era assim, tinha um péssimo faro para bons relacionamentos e um bom gosto musical. Quando escurecia ouvia Neil Young e James Taylor e nunca assistia os Jornais.Tinha características pouco comuns hoje em dia. As vezes falava sobre coisas estranhas, desconexas ou mesmo infantis, nunca lhe disse mas sempre achei que ele ainda acreditava na Terra-do-Nunca. Era capaz de trocar o futebol com os amigos pela leitura de um bom livro. Gostava muito de escrever e chegou a escrever alguns bons textos, inclusive algumas dissertações sobre o amor. Um dia sumiu. Algumas pessoas dizem que se deu conta de que não havia amor na Terra, outras dizem que se cansou de procurar algo de bom no Mundo e simplesmente desapareceu. Não acredito nisto. Gosto de pensar que num dia comum ele foi ao cinema, sozinho como costumava fazer, e sentou-se sem querer ao lado de uma pessoa incomum, que por acaso era a mulher da sua vida. Acho ainda que pela primeira vez em sua vida assistiu a um filme que teve um final feliz. posted by Anônimo | 8:52 AM quinta-feira, 12 de setembro de 2002 LEITURAS DIVERSAS Recentemente andei lendo umas coisas e vou comentar rapidamente. Tem livros, quadrinhos e até roteiro de cinema. - CANTO DOS MALDITOS, de Austregésilo Carrano: livro que serviu de base para o filme BICHO DE SETE CABEÇAS. Ganhei numa promoção e tive bastante sorte, já que o livro está proibido nas livrarias. O livro foi cassado pelos familiares de pessoas que tiveram o seu nome "denegrido" pelo escritor. Carrano fala o nome do tal Dr. Alô Guimarães o tempo todo a fim de extravazar um pouco a sua raiva por ter sido internado, drogado e eletrocutado num hospício fedorento. O livro não é tão fluido quanto o filme, mas é mais detalhista e esclarecedor. Vale procurar no mercado negro. - O ANTICRISTO, de Friedrich Nietzsche: outro livro raivoso. O alvo dessa vez é o cristianismo e o filósofo polêmico e pouco convencional não perdoa ninguém, nem mesmo o apóstolo Paulo. Um livro muito bom, apesar de eu achar bem radical. Mas a linha de pensamento e o entusiasmo raivoso de Nietzsche é o que importam nesse caso. Na verdade, ainda faltam algumas páginas pra eu terminar. - DYLAN DOG nº 1 - Editora Mythos (HQ): Pena a qualidade do papel não estar à altura das 6 edições publicadas pela Conrad. Eu preferiria continuar pagando 1 real a mais e ter um papel de qualidade do que pagar R$ 4,90 por esse papel ruim. Vale pelas histórias do personagem italiano que inspirou o ótimo filme DELLAMORTE DELLAMORE. Mistério, terror, humor e personagens que conquistam. Nessa edição, é desvendado o mistério de Morgana e detalhes sobre o pai de Dylan. - MARVEL APRESENTA: WOLVERINE E HULK (HQ): Os desenhos de Sam Keith estão sensacionais nessa revista. E parece que ele aprendeu muito do tempo que ele trabalhava com Neil Gaiman. O tom de fábula surrealista está presente em toda a revista. Tudo parece um sonho. A garotinha que deve estar morta, Wolverine caindo de um teco-teco e encontrando Hulk, o ponto de vista da garotinha. Algumas vezes, Keith imita desenhos de criança. Ficou bem legal. - AURÉLIA SCHWARZENÊGA, de Carlos Reichenbach e Fernando Bonassi (roteiro): roteiro disponibilizado pelo próprio Reichenbach em sua coluna semanal no Cineclick. Eu imprimi na empresa em uma impressora laser frente e verso e mandei encadernar. Ficou legal pra se ler. Leitura ótima e que ajuda a gente a ficar ansioso pra ver o resultado final nas telas. Reichenbach toda semana está trazendo notícias das filmagens no Cineclick. É a oportunidade de acompanhar a produção de um filme de um dos melhores diretores do nosso cinema. E é de graça. posted by Ailton Monteiro | 3:00 PM quarta-feira, 4 de setembro de 2002 Ainda sobre o Cidade de Deus. Acho que por mais interessante que seja atrair a atenção do estrangeiro, isso acontece através de uma anomalia. Explico, chama a atenção não por apresentar uma linguagem própria, identificada com a realidade latino-americana, e sim através da imitação do modelo imperialista do cinemão americano. Aí eu acho uma merda, fico imaginando os críticos americanos lá na deles: "olha só como eles aprenderam direitinho..." Cinematografia latino-americana por cinematografia latino-americana, prefiro a Argentina, que pelo menos é menos americanóide. E quanto à narração do menino, não acho que seja condizente com a realidade que o filme quer retratar. Se vocês prestarem atenção, o garoto parece que está sempre narrando em ritmo de brincadeira, mais ou menos assim: "aí, o Pequeno jurou que ia matar o Cenoura, mas o Cenoura era legal pra caramba e esperto também..." Porra, o tema é sério ou não é, caceta?! Esse tipo de alívio cômico (que acontece TODA A HORA) me ficou cheirando a concessão para platéia que não consegue ficar 10 minutos agüentando uma narrativa densa. posted by Anônimo | 12:49 AM terça-feira, 3 de setembro de 2002 Um comentário rápido sobre o filme BEIJANDO JESSICA STEIN (dessa vez, exclusivo para o Bando de Cá). No domingo à noite fui conferir um filme que conta a história de Jessica (Jessica Westfeldt), uma garota que não consegue ficar com ninguém durante muito tempo. Ela é exigente, sempre vê os defeitos das pessoas. Um dia decide responder a uma anúncio de alguém que atraiu-lhe a atenção. Ficou encucada, já que a pessoa era outra mulher, mas resolveu marcar o encontro. A cena que mostra o primeiro encontro das duas ficou muito legal. Inclusive, a outra, a atriz Heather Juergensen é a cara da Marina Person. (Só que a Marina é mais bonita.) Ao mesmo tempo, um rapaz que trabalha com Jessica (e ex-namorado da moça) anda bastante interessado na curiosa. Mas o mais bacana de tudo foi o final, não tão gay quanto imaginava-se que fosse. Quando as luzes se acenderam deu pra ver a cara de desaprovação do público gay da sala. Hehehehe. Filme indicado a turma que curte ver mulheres se beijando. Estou pra conhecer um cara que não curta. posted by Ailton Monteiro | 5:37 PM Já que o Fabiano postou um comentário pendendo para o negativo de CIDADE DE DEUS, estou enviando uma defesa do filme. Bom mostrar dois lados, né? Fernando Meireles foi o diretor de um dos filmes brasileiros mais odiosos que eu já tive o desprazer de ver - DOMÉSTICAS, O FILME. Esse filme deu um mal estar desgraçado de ver, já que o cinema há tempos deixou de ser diversão popular. Ver um monte de dondoca e mauricinho rindo de empregadas, sempre mostradas como burras e feias, foi de doer. Por isso, fiquei achando que eu não ia gostar desse CIDADE DE DEUS, do mesmo diretor. Mas que nada. CIDADE DE DEUS é um filme-acontecimento. Uma maravilha narrativa. O modo como ele mostra o comércio ilegal de drogas nas favelas (as bocas) chega a ser didático. Além de tudo, os personagens impressionam, alguns ganham a nossa simpatia (Bené, Mané Galinha e Buscapé) e outros despertam a ira (Zé Pequeno). Impossível não lembrar de OS BONS COMPANHEIROS e CASINO, ambos de Martin Scorsese. Assim como esses filmes, a narração em off do personagem Buscapé começa numa década e pára em outra, apresenta vários personagens e tem doses fortes de violência. A diferença é que não estamos em Nova York ou Las Vegas. Estamos numa favela carioca. Bem mais perto da gente. Se vemos o filme dentro da sua proposta narrativa e não como uma tentativa de mudar o mundo, gostamos mais ainda dele. Sequências de violência assustadoras como a de Zé Pequeno atirando no pé de uma criança de 5 anos são de cortar o coração. Não dá pra esquecer de Buscapé sofrendo feito um condenado e ganhando uma mixaria tentando fugir do destino de quem geralmente habita a Cidade de Deus. Não dá pra esquecer da despedida de Bené. Não dá pra esquecer o bando de Zé Pequeno metralhando a casa de Mané Galinha. E nem dá pra esquecer que quem interpreta Mané Galinha é Seu Jorge, cantor que já morou na rua, feito mendigo. O elenco, formado por gente da própria favela, está extraordinário. Mateus Nachtergaele está muito foda como o traficante Cenoura. Já até estou em dúvida se o melhor filme brasileiro do ano é esse ou O INVASOR. Sem falar que o nosso cinema está atraíndo novamente a atenção do mundo. posted by Ailton Monteiro | 4:27 PM Dois mestres, uma coincidência Os mestres são John Ford e Fritz Lang dos quais vi Ao Rufar Dos Tambores e Vive-Se Só Uma Vez. A coincidência é que ambos tem Henry Fonda jovem no papel principal. Se for notar há outra, não sei se Fonda ainda não tinha nome, mas nos créditos dos dois filmes quem recebe destaque é as atrizes, Claudette Colbert e Sylvia Sidney. Colbert é ótima e Ford tira dos dois grandes interpretações. O filme de Ford tem um tom patriótico principalmente no final e uma brutalidade por parte dos índios. O de Lang é uma tragédia americana, lembrando por vias tortas O Homem Errado de Hitchcock, de novo com Fonda, em ambos o personagem consegue a liberdade de uma forma ou de outra. Os ângulos e a ambientação de Lang ainda estão bem impregnados do expressionismo alemão seja na neblina da penitenciária, nas sombras das grades ou na fumaça do assalto. Este mês há um mini-festival Henry Fonda no Telecine Classic. posted by RENATO DOHO | 11:50 AM Venho agora do "Cidade de Deus", o grande acontecimento cinematográfico da temporada. O grande problema é que não podemos discutir este filme apenas sob a ótica da boa direção, da boa montagem, do bom roteiro. É preciso inseri-lo na conjuntura social e política que favorece a criação de tais obras. Enquanto espetáculo técnico, é um grande filme (tirando os abusos video-clipe para agradar um público viciado em maneirimos de montagem), indiscutível a boa direção e o roteiro bem resolvido. Discutível, entretanto, a proposta ideológica. Se é um filme "engajado" (termo criado para amainar a culpa dos abastados), o que exatamente ele denuncia? Ao meu ver, denuncia apenas o que todos já sabem. Aposto mais na hipótese de ser "Cidade de Deus" um filme que procura lucrar com a glamourização da violência. Tomemos como exemplo a reação do público na saída da sessão: na sua maioria, saem entretidos, felizes de terem visto um filme que se usa de uma estética imperialista (a do cinema americano: vide Pulp Fiction, Assassinos por Natureza) para divertir o espectador. Ninguém sai do cinema questionando a questão da violência urbana, da desigualdade social, da concentração de renda. Ouvi gente dizendo: "até que enfim o cinema brasileiro tá melhorando". Aaaaahhhh, quer dizer que só melhora quando imita Matrix, na ridícula sequência de abertura. Cinema engajado não rima com cinema pipoca. O que Fernando Meireles e Kátia Lund conseguiram fazer é um filme que traz a estética da violência ao alcance da classe média que tem grana para pagar R$12,00 o ingresso do cinema. E que, aliás, chega em casa e hipocritamente puxa um fumo discutindo sobre o quão absurda está a violência urbana. Pois vão ver "Rocha que Voa" do Erik Rocha, ou qualquer filme do Eduardo Coutinho, pois "Cidade de Deus" é só Prozac em película. PS.: Este post se encontra originalmente no meu blog pessoal, Contos do Submundo. A intenção não é fazer propaganda do meu blog, mas, primeiro, avisar que este post já existia em outro lugar, e, segundo, saber se vocês preferem que eu não coloque comentários do meu blog aqui. É óbvio que só farei isso quando forem comentários sobre livros, filmes e afins, e nunca coisas pessoais. domingo, 1 de setembro de 2002 Acabei de ler ontem A Mulher Mais Linda Da Cidade do Bukowski (tá tendo uma treta com relação a esse livro nas escolas públicas do país) e continuo a leitura de A Vida Sexual De Catherine M. de Catherine Millet; ambos fazem o mesmo com coisas diferentes - a bebida para Bukowski é tão comum e constante como o sexo para Millet. Ao menos em Bukowski não é a bebida exatamente o centro de atenção de tudo, enquanto todos os detalhes das orgias de Millet se fazem presentes em cada linha do livro. Invertendo um pouco, o conto Curra, Curra do livro do Bukowski é exemplar seja o fato descrito real ou fictício. posted by RENATO DOHO | 9:23 PM |
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